NosE es un artista que le gusta dar una segunda vida a las cosas. Geniales trabajos como artista urbano y cuadros en artes plásticas.

Vans, la original marca de ropa y calzado de deportes de acción, se complace de anunciar el lanzamiento mundial de “La Historia de VANS” en esta histórica fecha, el 50.º Aniversario de Vans.

El 16 de marzo de 1966, Vans abrió sus puertas en Anaheim, California, como una marca familiar con grandes aspiraciones. 50 años más tarde, el espíritu Van Doren sigue vivo en una de las marcas más grandes de la cultura juvenil, promoviendo la expresión creativa a través de los deportes de acción, el arte, la música y la cultura urbana. Vans conmemora su gran legado con la serie La historia de Vans, una campaña visual única: una combinación de técnicas artísticas que destacan los momentos más emblemáticos de los 50 años de historia de la marca.

La Historia de Vans fusiona diversos métodos de animación para crear un tratamiento visual distintivo, en una campaña vanguardista que representa los orígenes de la marca en los deportes de acción, el arte, la música y la moda. A través de una combinación de técnicas nunca vista, La Historia de Vans utiliza ilustraciones con perspectiva forzada, dibujos animados tradicionales, recortes de papel y calzado classic de Vans entremezclados en una animación fotograma a fotograma, que representa la celebración perfectamente coreografiada de la marca. Dirigida por Reza Resoli de Pet Gorilla, La Historia de Vans cobra vida a través de caprichosas ilustraciones en blanco y negro de los artistas franceses Mrzyk & Moriceau y una banda sonora producida por Beta Petrol, quien reunió a diferentes colaboradores musicales, entre los que se incluyen John Herndon de Tortoise y Wayne Kramer de MC5. La campaña se compone de una serie de cinco historias cortas: una que narra la trayectoria de la marca Vans y cuatro spots adicionales que destacan las formas más emblemáticas de la expresión creativa de Vans y definen el mantra del estilo de vida “Off The Wall”.

Ayer Marilyn Monroe habría cumplido 89 años. En Oldskull nos hemos rendido en más de una ocasión a sus encantos, incluso desde niña. Hoy, y de la mano del fotógrafo inglés Cecil Beaton (1904-1980), os traemos algunos retratos de la ‘tentación rubia’ y de otras estrellas de Hollywood. Este artista (ilustrador, retratista de celebridades para Vogue y escenógrafo de cine y teatro) afirmaba que la belleza “es la palabra más importante del diccionario. Es sinónimo de perfección, esfuerzo, verdad, bondad” y destacaba de Monroe, “su dulce voz, que hace vibrar las cuerdas más profundas y tiene la sensibilidad de la seda o del terciopelo”. Beaton captó la parte más sensible y vulnerable de la sex symbol deseada por medio mundo. Os dejamos una muestra del trabajo fotográfico de este profesional hecho a la medida de sus ideales estéticos.

Son las 5 y después de una buena tarde de relajación y charlas, Ruby Silvious reutiliza sus bolsas de té como lienzos en miniatura para pintar objetos, paisajes, y modelos adornados. Las obras suelen mantener las etiquetas adjuntas, recordándole al espectador su origen. Sus obras más recientes fueron creadas durante su estancia en Arenys de Munt, ciudad a 45 minutos de Barcelona. En marzo de 2019, sus pinturas en miniatura se presentarán en una exposición individual en el espacio creativo Hayashi ubicado en Chigasaki, Japón. Quieres ver más de la obra de Silvious? No dude en visitar su web e Instagram.

Si quereis aprender una cosa o dos acerca del color, ¿por qué no mirar a los verdaderos maestros cuya obra artística ha soportado el paso del tiempo? Los grandes pintores casi siempre han poseído un profundo conocimiento del color realmente impresionante.

Hemos seleccionado las paletas de color de obras creadas por diez de nuestros artistas favoritos de todos los tiempo. Podréis examinar y contemplar los colores usados por los grandes artistas de la pintura.

Guernica, Pablo Picasso, 1937

La Creación de Adán, Miguel Ángel, 1512

La Gioconda, Leonardo Da Vinci, 1504

American Gothic, Grant Wood, 1930

Muchacha con turbante, Vermeer, 1665

Venus del Espejo, Velázquez, 1651

El Grito, Munch, 1893

La Noche Estrellada, Van Gogh, 1889

La Gran Ola de Kanagawa, Hokusai, 1832

Los Fusilamientos del 3 de Mayo de 1808, Goya, 1814

Geniales ilustraciones nos llegan desde el Reino Unido a cargo de Carne Griffiths. Amor por el dibujo, trabaja principalmente con tinta de caligrafía, el grafito y los líquidos, como el brandy de té, vodka y whisky  y luego manipula la línea creada. Después de graduarse en el  Maidstone College of Art Carne trabajó como diseñador de hilos bordados en oro de 12 años, por lo tanto, patrón floral, la repetición y el flujo desempeñan un papel importante en su trabajo.

Explora tanto las formas humanas y florales, en sentido figurado y en un sentido abstracto. Él está fascinado por el flujo de la línea y las “líneas invisibles” que nos conectan con el mundo natural. Pueden ser consideradas las líneas de energía o conexión espiritual entre nosotros y nuestro entorno y su trabajo es a menudo una respuesta emocional a las imágenes y situaciones de la vida cotidiana.

Nacido en 1984 en Málaga, España, pero viviendo en Madrid desde los 18 años.  Antonio “Toni” Gamboa a.k.a. Lord Horror a.k.a. T-Creep es la mano que hay detrás de The Art warriors, donde da rienda suelta a su cabeza y sus manos para crear estas estupendas ilustraciones. Mientras, se gana la vida como director creativo en Arena Quantum.

Un buen cristiano que cree más en el infierno que en la iglesia y amante de las películas clásicas de terror, libros y cómics, tatuajes , graffiti y por supuesto del arte.

Con la reciente muerte de Stan “The Man” Lee y  la llegada de las navidades en los próximos días, que mejor ocasión para recomendaros un libro que no puede faltar en ninguna estantería de todo amante de los cómics o la cultura pop.

Época de héroes poderosos, monstruos incomprendidos y complejos villanos. Con la publicación, en noviembre de 1961, del primer número de Los Cuatro Fantásticos, el gigante de los cómics Marvel inauguró una era de transformación en la cultura pop. Durante las dos décadas siguientes, los icónicos Hulk, Spider-Man, Iron Man y La Patrulla X saltaron, corrieron y surcaron los cielos de sus páginas. El Capitán América fue recuperado del estado de hibernación en que se encontraba desde la década de 1940 y Los Vengadores se convirtieron en los mayores superhéroes del mundo. Daredevil, el Dr. Extraño y decenas de personajes más se incorporaron al panteón, cada uno con su propio elenco de malévolos adversarios. Más de 50 años después, estos fascinantes personajes de las décadas de 1960 y 1970 son más populares que nunca y pelean por el bien en cómics, jugueterías y salas de cine de todo el mundo.

La Era Marvel de los Cómics 1961–1978 nos traslada al corazón de esta etapa fundamental en la historia del cómic, una era de personajes carismáticos e innovación narrativa que reinventó el género de los superhéroes. Con cientos de imágenes e información exclusiva, el libro se remonta al nacimiento de estos defensores del bien que poseían poderes tan épicos como sus adversarios, a quienes combatían en un mundo que los lectores reconocían como propio; se trataba de héroes creíbles con los mismos problemas, dificultades y defectos que la gente corriente. En la década de 1970, vemos cómo la Casa de las Ideas elevó también el terror, la espada y brujería y las artes marciales a su panteón de semidioses titánicos, presentando personajes icónicos como el Hombre Cosa, Conan y Shang Chi, demostrando que su estilo de narrativa podía triunfar y prosperar más allá de las capas y los leotardos.

Detrás de todo esto encontramos a los extraordinarios arquitectos de Marvel cuyos nombres nos resultan casi tan familiares como los de los mortales (¡e inmortales!) a los que dieron vida: Stan “The Man” Lee, Jack “King” Kirby y Steve Ditko, junto con otras grandes figuras como John Romita, John Buscema, Marie Severin y Jim Steranko, entre muchos otros. El resultado es un tesoro escondido, una joya para la biblioteca de cualquier amante de los cómics, rebosante de la innovación y la energía de una era invencible tanto para Marvel como para sus personajes heroicos.

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Munem Wasif es un fotoperiodista de Bangladesh que se graduó de Pathshala. Su carrera fotográfica comenzó como fotógrafo para el Daily Star. En 2007 fue seleccionado para el World Press Photo Joop Swart Masterclass y más tarde ganó la comisión PrixPictet para documentar un proyecto de aguas en Bangladesh. Esto dio lugar a las series de “Lágrimas saladas” que muestran cómo el agua salada invade las tierras destruyendolas y eliminando la poca agua potable que hay. Wasif se ha centrado en temas relacionados con el cambio climático y sus efectos devastadores, los problemas económicos en Bangladesh, refugiados políticos, la crisis política y étnica en la República Democrática de Timor-Leste y el tema de la religión.

Al ilustrador mexicano David Álvarez le fascina trabajar con sombras y luz, encontrando dibujos en blanco y negro para crear formas que tratan de resolver las imágenes que evoca su creativa cabeza. Su serie más reciente, soñé que era la noche, sigue una figura oscura mientras acecha, se sienta y duerme por el campo, un ser encubierto por la noche que salpica estrellas centelleantes, y en una ilustración particular saca una luna brillante lejos de su rostro. Una fantástica serie de imágenes que nos muestra en su portfolio, y que Álvarez tiene planes de convertir en una historia narrativa.

El artista y carpintero procedente de Ottawa(Canadá) Drew Mosley pinta y moldea personajes que habitan encerrados en tazones de madera repletos de capas de resina. Cada escena está adornada con pedacitos de flores y fauna: ramitas, hojas, huevos,… creando obras de arte que caminan entre la fina linea de la ilustración de cuentos y dioramas esculturales.

Fabian Fohrer todavía es un estudiante de diseño gráfico que vive en Constanza, Alemania. A pesar de su juventud, Fabian tiene claro lo que le apasiona: el diseño gráfico y la tipografía. Sus pósters están caracterizados por formas geométricas y perfectas líneas. Uno de sus trabajos más nombrados es la colección de sellos realizados con gráficos  inspirados en las formas de las letras del alfabeto latino, adaptados a este estilo más geométrico.

Jonna Hyttinen es una artista tradicional que vive en una pequeña ciudad llamada Kemijärvi, ubicada al este de Laponia.
Artista a tiempo completo desde que se graduó de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Laponia en mayo de 2017.

Desde niña soñaba ser artista y, sin embargo, casi no estaba segura de lo que quería ser. Jonna comenzó a publicar sus trabajos en Instagram y rápidamente formó una gran base de fans, lo que al principio era solo un pasatiempo se convirtió rápidamente en una fuente de ingresos con la venta de sus artes en objetos…

En sus pinturas se centra en los animales y la naturaleza, trabajando principalmente con acuarelas. Le gusta contar historias pequeñas donde a menudo elije grandes felinos como tema principal. Una forma espectacular de mostrar la belleza de la naturaleza y los animales.

Alberto Cerriteño es un ilustrador y diseñador mexicano. Fuertemente inspirado por los juguetes de vinilo, los dibujos alternativos, y el movimiento pop surrealista. Alberto Cerriteño ha desarrollado su propia técnica y un estilo muy personal, teniendo siempre presente unas delicadas notas de influencias artísticas tradicionales de México.

El estudio de diseño NORDES especializado en diseño de interiores, arquitectura colorista y visualización en 3D con sede en Minsk, Bielorrusia, y con sucursales en Moscú y Barcelona ha diseñado este impresionante loft como ejemplo en diseño en interiores industriales y al que han denominado el “Den-Loft”.

Den-loft destaca por los colores elegidos en su arquitectura y decoración, donde destacan los marrones y la madera. Una combinación exquisita que atrapa al huésped con su decoración.

Queriendo crear un interior como ellos definen “para un hombre libre”. Libre de estereotipos, prejuicios y cosas innecesarias. Como para personas inquietas, activas, amantes de los viajes… Con espacios abiertos llenos de luz exterior, un enorme armario empotrado, sofá plegable que ahorra espacio. Una cocina completamente escondida detrás de las fachadas correderas. Creando un interior con un estilazo fantástico y colores minuciosamente elegidos que permite perfectamente una unidad social media formada por dos adultos y dos niños o más bien, la guarida perfecta de cualquiera. Os dejo con lo que es la perfecta inspiración para decorar vuestro hogar. ¡Me encanta!

JaeCheol Park AKA PaperBlue, crea estos impresionantes e intrincados dibujos a modo de sketches arquitectónicos. Pero en lugar de imaginar un edificio edificable, Park emplea la estética clásica ilustrativa para formar entornos urbanos fantásticos donde las estructuras aparecen y desaparecen, mezclando entre sí una neblina de patrones geométricos sumamente espectaculares. Sus líneas sueltas y sus capas intensivas amenizan los estilos arquitectónicos históricos que destaca en sus dibujos. El artista, que tiene su sede en Seongnam, Corea del sur, tiene una amplia audiencia para su arte digital y conceptual. Park comparte sus tutoriales de dibujo en YouTube y también os podéis hacer con su libro “The art of Paperblue” disponible en Amazon.

Henri Cartier-Bresson fue un fotógrafo francés reconocido mundialmente por su concepto de captar el instante decisivo de una fotografía, una técnica en donde decía que no solo debía captar con el ojo, sino también poner la cabeza y el corazón en el preciso momento de la captura ya que la instantánea no sería la misma unos segundos antes que unos segundos después. Así es como se valió el nombre de ser el “padre del fotoreportaje”.

Después de finalizar sus estudios de pintura es cuando decide dedicarse por completo a la fotografía publicando su primer fotoreportaje en la Costa de Marfil.

Movido por su inquietud de hacer arte, co-funda junto con otros colegas de la profesión, la agencia de periodismo fotográfico agencia Magnum con la que viaja a distintos lugares del mundo para retratar toda la humanidad de cada lugar.
También realizaría un documental sobre los hospitales en España en el año 1936, repitiendo posteriormente en el cine con su autobiografía protagonizada por él mismo y con actores de la talla e Isabelle Huppert.

Odiaba la documentación, por eso decía que era un mal periodista y que la única etiqueta que quería era la de fotoperiodista. Su formación en la fotografía fueron los años de las vanguardias, principalmente en el surrealismo donde encontró inspiración para captar momentos sublimes que quedan estampados en cada una de sus fotografías. Observar las fotografías y fotoreportajes de Henri Cartier-Bresson es comprender un poco más la historia del siglo XX.

Retrató a personalidades tan famosas como Picasso, Henri Matisse, el “Che” Guevara, Marie Curie, Edith Piaf entre otros. En 1955 tuvo el honor de que sus fotoreportajes sean expuestos en el museo Louvre en París. A lo largo de su vida recibió varios premios destacando el Premio Internacional de la fundación Hasselblad. Junto a su esposa, también fotógrafa, crea en el año 2000 una fundación que se encargaría de gestionar todo su legado fotográfico.

Tal  y como puedes ver en nuestro blog de fotografía no hay dudas de que Henri Cartier-Bresson es el fotógrafo más talentoso de los fotoreportajes y que gracias a su  talento hoy, podemos reconocer gran parte de lo que fue la sociedad durante aquella época.

Últimamente vemos muy a menudo la recreación de artes a través de elementos creados a mano, papel, frutas, plásticos… El estudio francés Zim y Zou os va a dejar sorprendidos cuando veáis los trabajos tan laboriosos que se traen entre manos y como dicen nuestros amigos de macho dominante, un nivel “dios”.El papel, el cartón y el cuero son los materiales que estos creativos franceses emplean para forma a las sorprendentes figuras que vais a ver. Un duro trabajo pero que bien vale su resultado.

Una pena que Javier Rubín Grassa no tenga una web en condiciones donde admirar sus trabajos. Nacido en 1986, este ilustrador madrileño está afincado en Barcelona y trabaja tanto la ilustración como la fotografía. Javier siente la necesidad de contar mediante su trabajo como los tiempos han cambiado y necesita mostrar su visión de esta nueva realidad a través de su obra.

«En esta sociedad es difícil sentirse escuchado, pero a través de mi obra expreso mis inquietudes; las mismas que también sufre mi generación. Siento la necesidad de reflejar este inconformismo, la forma en que están cambiando nuestras mentes y nuestra visión del mundo», explica Rubín.

Con la intención de reflexionar y de comprender al ser humano, explora cualquier cosa que gire a su alrededor centrándose sobre todo en “la generación perdida“, considerada inestable y limitada por la inmediatez del día a día. A través de la ilustración, expresa su visión del mundo, donde se entremezclan con los sueños: una mezcla de realidad y ensoñación que se traduce en experiencias visuales. Aquí tiene a la venta sus trabajos.

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